С

САНГИНА (фр. sangine, от лат. sanguis – кровь) – мягкий материал и инструмент для рисования в виде палочек-карандашей, дающих матовый красно-коричневый тон. Она бывает различных оттенков. Сангина приготавливается из глины, окислов железа и связующих веществ. Она напоминает пастель коричневого тона. Материал очень красивый, дающий богатые выразительные возможности использования линий, штрихов, пятен. Рисуют сангиной на шероховатых бумаге, картоне, холсте, используя разнообразные приемы: линии и штрихи различной толщины, длины, направленности, растушевку, позволяющую создавать красочные пятна.

Натуральным кроваво-красным минералом рисовали еще в пещерах палеолита. В эпоху Возрождения сангиной, которую называли красным мелом, выполняли детально разработанные рисунки такие мастера, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан. В рисунках Рембрандта, выполненных сангиной, с помощью линии и штриха передается не только объем, но и фактура.

108. П. РУБЕНС. Этюд оседланной лошади. Около 1615-1618 гг.

Красивые рисунки сангиной получаются на тонированном фоне и когда к основному материалу добавляются уголь и мел. Особенно это удавалось П. Рубенсу и А. Ватто.

В русском изобразительном искусстве мастерски сангиной работали художники А. Лосенко, А. Иванов, К. Брюллов, О. Кипренский, В. Серов и многие другие. Интерес к работе сангиной сохраняется и в наши дни.

Сангина достаточно прочно держится на поверхности листа, однако рисунки, выполненные в сочетании с углем, лучше хранить, переложив тонкой бумагой, так как фиксировать их нельзя.

СИЛУЭТ (фр. silhouette) – плоскостное изображение, прием работы, средство художественной выразительности, а также вид графики. Явление силуэта может возникать и в процессе восприятия объемных форм в зависимости от освещения. Силуэт подобен тени объекта. Качество силуэт- ности используется художниками во всех видах искусства. В силуэте фигуры или предметы рисуются обычно сплошным черным пятном на светлом фоне или белым на темном фоне. В таком рисунке внешние очертания объекта должны быть очень выразительны, без лишних деталей. Портреты в технике силуэта делаются, как правило, в профиль. Силуэты можно не только рисовать, но и вырезать ножницами.

Силуэты были известны в Древнем Китае, Японии и других странах Азии. Необыкновенно изящные силуэты прорезанными тончайшими деталями использовались в теневом театре народов Древнего Востока.

В Европе как самостоятельный вид графики искусство силуэта сформировалось в первой половине XVIII в. во Франции. Его название произошло от фамилии министра финансов Этьенна Силуэта, на которого была сделана карикатура в виде теневого профиля. Сам он также занимался вырезанием силуэтов из черной бумаги.

В России искусством силуэта особенно увлекались известные художники Ф. Толстой, М. Добужинский, Е. Кругликова.

109. Ф. ТОЛСТОЙ. Крестьянский двор. Вырезка из бумаги. Начало XIX в.

СКУЛЬПТУРА (лат. sculptura, от sculpo – вырезать, высекать, ваяние, пластика) – вид изобразительного искусства, произведения которого имеют материальный трехмерный объем. Сами эти произведения (статуи, бюсты, рельефы и т. п.) также называют скульптурой.

Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в реальном пространстве, и рельеф (барельеф и горельеф), в котором объемные изображения располагаются на плоскости. Скульптура бывает по своему назначению станковой, монументальной, монументально- декоративной. Отдельно выделяется скульптура малых форм.

По жанрам скульптура разделяется на портретную, бытовую (жанровую), анималистическую, историческую и др. Скульптурными средствами могут быть воссозданы пейзаж и натюрморт. Но главным объектом для скульптора является человек, который может быть воплощен в разнообразных формах (голова, бюст, статуя, скульптурная группа).

Технология изготовления скульптуры обычно сложная и многоэтапная, сопряжена с большим физическим трудом. Скульптор вырезает или высекает свое произведение из твердого материала (камня, дерева и др.) путем удаления лишней массы. Другой процесс создания объема за счет прибавления пластической массы (пластилина, глины, воска и др.) называется лепкой (пластикой). Скульптуры создают также свое произведение с помощью отливки из веществ, способных переходить из жидкого состояния в твердое (различных материалов, гипса, бетона, пластмассы и т. п.). Нерасплавленный металл для создания скульптуры обрабатывается путем ковки, чеканки, сварки и резки.

Скульптура – одна из самых древних видов искусства. В первобытном обществе существовали женские фигурки и рельефы. При раскопках древних поселений находили небольшие скульптурки из обоженной глины, вырезанные из камня, кости, дерева. У народов Древнего Египта, Древнего Востока, Древней Америки были гигантские изваяния богов, людей и животных.

Период античности характеризуется как один из самых важных в истории развития скульптуры (см. античное искусство). Мастера этого периода оставили нам классические образцы искусства ваяния. Они разработали возможность передачи движения в скульптуре. Например, в статуе «Дискобол» (скульптор Мирон, V в. до н. э.) изображен кульминационный момент движения, его высшая точка, когда можно представить предшествующие и последующие действия.

Достижением средневековой скульптуры явилась передача духовного, внутреннего, эмоционального состояния человека. В это время скульптура имела в основном религиозный характер (см. готика).

В эпоху Возрождения вновь пробудился интерес к реальному человеку как прекраснейшему созданию природы, а гений Микеланджело воплотил эту идею в необычайных по глубине и эмоциональной содержательности образах. Античность вдохновляла и скульпторов эпохи классицизма в XVIII-XIX вв.

Значительным явлением в развитии скульптуры было творчество О. Родена, который стремился выразить в своих произведениях идеи импрессионистов.

Выдающимися мастерами русской реалистической скульптуры были Ф. Шубин, М. Козловский, И. Мартос, М. Антокольский, А. Опекушин и др. В последующие годы разнообразные пластические качества скульптуры, психологические образы человека создали С. Коненков, А. Голубкина, А. Матвеев, В. Мухина, Н. Томский, Е. Вучетич и др.

В XX в. возникают новые возможности развития скульптуры. Так, в абстрактной скульптуре используются нетрадиционные методы и материалы (проволока, надувные фигуры, зеркала и др.). Художники многих модернистских течений провозглашают обыденные предметы произведениями скульптуры.

Цвет, издавна применяемый в скульптуре (античность, средние века, Возрождение), активно используется для повышения художественной выразительности станковой скульптуры и в наши дни. Обращение к полихромии в скульптуре или отказ от нее, возвращение к естественному цвету материала (камня, дерева, бронзы и др.) связаны с общим направлением развития искусства в данной стране и в данную эпоху.

110. Г. МУР. Лежащая фигура. Зеленый хорнтонский камень. 1938 г.

СКУЛЬПТУРА МАЛЫХ ФОРМ, МЕЛКАЯ ПЛАСТИКА - небольшие фигурки: статуэтки или композиции жанрово-бытового содержания, настольные портретные бюсты, изображения животных и сувенирные модели каких-либо известных памятников. К малым формам относятся не только произведения круглой скульптуры, но и рельефы: памятные медали, декоративные медальоны, глиптика (искусство резьбы по драгоценным и полудрагоценным камням, слоновой кости, стеклу, применяемое для изготовления печатей и украшений). Мелкая пластика включает в себя столь разнообразный круг произведений, что они могут быть изготовлены ручным или художественно-промышленным способом из самых различных материалов – фарфора, фаянса, стекла, кости, камня, пластмассы, металла и др. Скульптуру малых форм порой трудно бывает отделить от игрушек. Произведения народных мастеров, созданные для забавы детей (небольшие фигурки людей, зверей, птиц, фантастических животных, бытовые сценки), обычно передают мягкий юмор, радость и светлое отношение к действительности.

Известностью пользуются деревянная резная игрушка села Богородское Московской области, глиняная расписная игрушка села Дымково Нижегородской области и др. Знаменитые центры производства скульптуры малых форм в России – Санкт-Петербургский фарфоровый завод им. Ломоносова (бывший императорский фарфоровый завод), фарфоровые и фаянсовые заводы в Дулево, Вербилках, Конаково. Было известно также чугунное литье Каслинского завода на Урале, резьба по кости народов Севера, изделия уральских камнерезов.

111. Пляшущие крестьяне. Деревня Богородское. Середина XIX в.

Как правило, малые размеры скульптуры обусловливают близкое рассмотрение и специфику ее изобразительного языка: яркую образность, тщательную проработку деталей, декоративное использование цвета.

Произведения этого вида искусства предназначены для украшения быта. Они могут уютно располагаться на письменном столе, книжных полках, подоконниках, среди других предметов домашней обстановки и также быть экспонатами выставочных залов.

СОУС (фр. sause – соус, подливка; от лат. salsus – посоленная похлебка) – материал для рисования в виде толстых палочек-карандашей из прессованных красителей с клеем, обернутых в фольгу. Он дает богатую возможность в тональном рисунке, имеет глубокий бархатисто-черный цвет (иногда серый или коричневый), хорошо растушевывается; наносится на бумагу штрихом, растушевкой (сухой соус) или размывается кистью с водой, аналогично акварели (мокрый соус). Применяется в больших и длительных рисунках, в набросках и зарисовках. Рисунки, выполненные техникой сухого соуса, рекомендуется фиксировать или хранить, переложив тонкой бумагой, а также под стеклом.

Соус как материал рисунка стал известен в конце XVIII – начале XIX вв. Особенно широкое распространение он получил в России, где в этой технике любили работать И. Крамской, И. Репин, А. Саврасов и др. Соус хорошо сочетается с углем, тушью и другими материалами, открывая новые великолепные выразительные возможности.

112. И. КРАМСКОЙ. Портрет С. Н. Крамской у окна. Соус. 1870 г.

СОЦ-АРТ - одно из наиболее известных направлений советского искусства 70-80-х годов, сложившееся в рамках так называемой альтернативной культуры, противостоявшей государственной идеологии тех лет. Соц-арт стал своеобразной эстетической реакцией на засилье официальной пропаганды в культуре тех лет. Используя расхожие символы, лозунги и знаки социалистической агитации (серп и молот, звезду, пионерский салют, знаменосцев, портрет вождя и др.), соц-арт развенчивал в игровой форме их истинный смысл, раскрепощая тем самым восприятие зрителя от идеологических стереотипов. Гротеск, ирония, острые подмены и свободное цитирование любых пластических предметов и стилей стали основой его броского, сознательно эклектического художественного языка, во многом совпадавшего с методами бурно развивавшегося в те же годы постмодернизма.

Пародийный термин «соц-арт», буквально обозначавший социалистическое искусство, был рожден основателями движения московскими художниками В. Комаром и А. Меламидом по аналогии с поп-артом.

Соц-арт не выступал жестко очерченным стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов. Создатели соц-арта определяли это течение как «игру с идеологией», они стремились в гротескной форме показать всю нелепость массовой идеологии и кризис социалистического реализма.

По способам и техническим приемам соц-арт типичный поп-арт, сочетающий живопись, скульптуру и реальные вещи, представленные в абсурдных сочетаниях.

К кругу соц-арта примыкают на протяжении 70-х годов группы художников «Гнездо», «Мухоморы» Г. Брускин и др.

Известность обрушилась на соц-арт, когда с конца 80-х годов он выходит на международную художественную арену и становится едва ли не символом поворотного времени. Однако политическая переориентация общества в годы перестройки не только вывела соц-арт на орбиту моды, но и предопределила его закат, так как сделала неактуальной содержательную основу его иронических образов.

113. Г. БРУСКИН. Послание

СТЕКА (ит. stecca) – инструмент скульптора при лепке из глины, воска и других мягких материалов: небольшая деревянная, пластмассовая или металлическая изогнутая палочка, с расширенными в виде лопаточки концами – прямыми или скошенными, напоминающими нож. Стеки используют для того, чтобы снять лишний материал, отрезать небольшой кусок, сделать углубление, процарапать контур рельефа, проработать мелкие детали, нанести фактуру и др.

114. Стеки

СУПЕРОБЛОЖКА - защитная, обычно съемная обертка из плотной бумаги, надеваемая на переплет книги или обложку. Держится на переплете (обложке) при помощи широких загибающихся краев-клапанов. Предохраняет переплет или обложку от загрязнения. Суперобложка является дополнительным художественным элементом оформления книги. Как правило, на суперобложке текста меньше, чем на обложке. Художник может использовать при оформлении суперобложки лицевую и последнюю ее стороны, а также корешок и два клапана. Здесь можно применить различные виды разворотной композиции иллюстрации (панорамная, фрагментное изображение, обрез его в край и др.). Не рекомендуется только на суперобложке повторять оформление переплета. Лучше добиваться единства в разнообразии тех же элементов. Например, замена цвета или деталей изображения дает новое впечатление, но говорит о единстве оформления суперобложки и книги. Интересных эффектов достигают художники, которые используют для суперобложек современные прозрачные или полупрозрачные материалы или делают на них прорези. Обычно под яркой, сложной суперобложкой переплет очень простой и лаконичный. Для прочности суперобложка часто покрывается лаком или прозрачной синтетической пленкой. На суперобложку помещают краткую аннотацию книги, сведения об авторе и другую информацию. Художественное оформление суперобложки, дающее первое впечатление о книге, обычно отличается яркостью и образностью.

СЮРРЕАЛИЗМ (фр. surrealisme – сверхреализм) – направление в литературе и искусстве XX в., сложившееся в 1920-х годах. Возникнув во Франции по инициативе писателя А. Бретона, сюрреализм скоро стал международным направлением. Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др.).

Сюрреалистическая программа в изобразительном искусстве осуществлялась в основном по двум направлениям. Одни художники вводили бессознательное начало в процесс создания живописных полотен, в которых преобладали свободно текущие образы, произвольные формы, переходящие в абстракцию (М. Эрнст, А. Масон, Дж. Миро). Другое направление, которое возглавлял С. Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности. Общие особенности искусства сюрреализма: фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов.

115. И. ТАНГИ. Невидимки. 1955 г.

116. С. ДАЛИ. Сон. 1937 г.

Главной целью сюрреалистов было через бессознательное подняться над ограниченностью как материального, так и идеального мира, продолжить бунтарство против выхолощенных духовных ценностей буржуазной цивилизации. Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность, неотражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это порой выливалось в создание патологически отталкивающих образов, эклектику и китч. Отдельные интересные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства, например оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда.

В это же время художники обратились к имитации черт первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных. При всей своей программной заданности произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации. Они одновременно могут отождествляться в нашем восприятии как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера – эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя на зрителя. При всей абсурдности и даже определенной забавности некоторых произведений сюрреализма они способны стимулировать сознание, пробуждать ассоциативное воображение.

Сюрреализм представлял собой противоречивое художественное явление, что в значительной мере объясняет широкую орбиту его распространения. Многие ищущие художники, впоследствии отказавшиеся от сюрреалистических взглядов, прошли через него (П. Пикассо, П. Клее и др.). К сюрреализму примыкали поэты Ф. Лорка, П. Неруда, испанский режиссер Л. Бунюэль, снявший сюрреалистические фильмы.